Souvent, pour parler des peintures murales ornant les édifices construits aux Xième et XIIème siècles, à la période dite romane, l’on entend dire qu’il s’agit de fresques. Mais qu’en est-il exactement ?
Tout d’abord qu’est-ce qu’une fresque ?
Le terme fresque, hérité de l’expression italienne a buon fresco, désigne une technique picturale bien précise suivant laquelle un pigment est posé directement sur un enduit frais, qui vient tout juste d’être appliqué sur le mur. Comme pour toute peinture murale, le mur est d’abord préparé, lissé ou piqueté pour faciliter l’adhérence de l’enduit.
Puis l’enduit, principalement composé de sable et de chaux, est appliqué en différentes couches successives allant d’un mélange plus rugueux à un ensemble plus lisse et homogène. Une fois l’enduit préparé, la peinture peut commencer. Et c’est là qu’une véritable fresque se distingue d’une peinture murale dite a secco.
Pour qu’il s’agisse d’une fresque, l’enduit doit être encore frais lorsque le pigment, dilué dans de l’eau de chaux, est posé dessus. Il est alors emprisonné dans l’enduit par un phénomène physique de carbonatation le rendant quasi-ineffaçable. En séchant, la chaux qui se trouve dans l’enduit entre en contact avec le dioxyde de carbone présent dans l’air et forme une couche de carbonate de calcium appelée calcin qui emprisonne le pigment dans l’enduit.
Au contraire, lorsque le pigment est posé sur un enduit sec, la technique est dite a secco. Le phénomène de carbonatation n’intervient pas et il faut recourir à un liant, c’est-à-dire une colle telle que le jaune d’œuf ou la gomme arabique, pour permettre au pigment d’adhérer sur l’enduit.
C’est cette spécificité technique qui est à l’origine de l’étonnante longévité d’une fresque. Exposée jours et nuits aux intempéries, elle ne risque pas de s’effacer. Tant que l’enduit adhère sur le mur ou que le mur tient, elle se conserve. Ses couleurs peuvent passer, s’estomper, s’affadir, mais la fresque en elle-même est toujours là.
Cette longévité liée au phénomène de carbonatation implique toutefois une grande rapidité d’exécution puisque le temps de séchage de l’enduit est d’une journée. La surface enduite le matin doit donc être entièrement peinte jusqu’aux moindres finitions avant la fin de la journée. Enfin, une fois un pigment posé, il ne peut plus être effacé car il n’est pas soluble à l’eau. Il est donc impossible de revenir en arrière.
Qu’en est-il aux Xième et XIIème siècles ?
Les véritables fresques sont particulièrement rares dans les édifices médiévaux avant tout pour une raison pratique. Sur un chantier tel qu’une église où l’espace mural à peindre est considérable, la technique a fresco requiert d’anticiper la surface peignable en une journée puisque la préparation de l’enduit se fait quotidiennement. Cette surface à peindre en une journée est appelée giornata.
Le décompte des giornata dans un édifice permet en grande partie d’évaluer le temps nécessaire à la réalisation d’un ensemble peint. Du fait de ces contraintes techniques, rares sont les véritables fresques.
La plupart du temps, on constate que c’est la technique mixte, intermédiaire entre la fresque et la technique a secco, qui est utilisée. L’essentiel de la peinture est réalisé sur enduit frais mais les finitions sont à sec, ce qui explique que certains pigments, appliqués à sec, tombent plus rapidement que ceux à frais. Parfois, les peintres réhumidifient l’enduit lorsqu’il a partiellement ou totalement séché mais utilisent tout de même un liant pour poser leurs pigments. De manière générale, la technique picturale la plus répandue au Moyen-Age est la détrempe dite également a tempera : les pigments sont dilués et mélangés à un liant partiellement ou totalement soluble à l’eau. En dépit de ces différences techniques, les pigments ne changent pas, ni leur ordre d’application.
L’ordre d’application des pigments :
Comme le stipule le traité de peinture rédigé par le moine Théophile au XIIème siècle, Le traité des divers arts, les pigments ne sont jamais mélangés entre eux avant la pose sur l’enduit. Aucun mélange de couleur n’est effectué en amont.
Une couleur différente peut être obtenue par superposition de pigments sur l’enduit. Ainsi, en Touraine, on constate que le bleu identifié sur les peintures de l’église de Rochecorbon (Indre et Loire, XI-XIIème siècles) est un faux bleu obtenu par superposition de différents pigments non bleus. La teinte grisâtre obtenue, par contraste avec les couleurs rouges et blanches avoisinantes, paraît effectivement bleue et pallie l’absence de pigment de cette couleur à disposition du peintre.
Effet d’optique particulièrement ingénieux et caractéristique de nos peintres du XIème siècle qui, quoiqu’il arrive, s’adaptent aux matériaux mis à leur disposition. Chacun fait au mieux avec ses propres moyens.
La première étape, après préparation des pigments, est le dessin préparatoire. Souvent à l’ocre rouge, le peintre dessine les contours principaux des personnages ou de la scène qu’il souhaite représenter. Puis, il peint les fonds colorés et aplats principaux des vêtements avant d’ajouter les rehauts dessinant les plis des vêtements ou les détails du visage. Les finitions interviennent enfin. Par exemple, pour réaliser le visage d’un personnage, le peintre dessine d’abord les contours du visage, puis il applique les carnations roses, ajoute les ombres vertes, appelées pseudo-verdaccio, les aplats des joues, des lèvres ou du nez, et éclaire le tout avec des rehauts blancs qui viennent reproduire les lumières naturelles du visage.
Réalisé à frais, le dessin préparatoire est particulièrement tenace. Sa conservation sur le long terme permet souvent de constater les revirements du projet du peintre, ce que l’on appelle les repentirs. Un personnage ou une scène initialement prévue en tel endroit est finalement déplacé.
Les aplats colorés qui constituent les fonds cachent un temps cette erreur de calcul, mais au fil des siècles les fonds, qui ne sont pas toujours réalisés à frais, tombent et laissent apparaître l’ombre du personnage initial.
Vous l’aurez compris, les peintures murales qui ornent nos édifices médiévaux romans sont rarement de véritables fresques. A l’époque gothique, le savoir pictural se diversifie mais peu d’ensembles s’avèrent a fresco. Mais au fond, la pureté technique importe peu puisque c’est le message qui prime.
Au Moyen-Age, une peinture murale vise à faire connaître Dieu en parlant à nos sens, à le révéler ainsi et non à exalter la dextérité d’un artiste dont la gloire rejaillirait davantage sur lui-même ou son commanditaire que sur son Créateur. Le résultat moins technique n’enlève rien à la beauté du message, les programmes peints n’étant pas moins ambitieux lorsqu’ils sont a fresco ou non. Seule la longévité change, requérant donc de notre part un plus grand soin.
Une médiéviste